«Roma Aeterna»: экскурсия Ивана Тучкова, завкафедрой истории искусств МГУ

Рим соединил в себе две традиции, которые определили судьбу Европы. С одной стороны, воплотил античность и классическую эпоху, но не менее важна и другая традиция, которая возникает в рамках римской цивилизации, — это христианство. Именно эти две традиции делают Рим вечным городом.

Один из глубочайших русских мыслителей, Петр Чаадаев, писал, что на Рим мы должны смотреть с двух точек зрения — или с Капитолийского холма, или от собора Святого Петра. Тогда нам открывается идея Рима вечности — где любой человек напрямую, даже осязательно, может соприкоснуться с идеей вечной культуры. В России отношение к Италии и Риму всегда было пронизано огромной любовью — к итальянской природе и, прежде всего, культуре, без которой невозможно представить наше формирование. Экспозиционное пространство выставки «Roma Aeterna» архитектор Сергей Чобан оформил как площадь перед собором Святого Петра.

Римская художественная школа была связана с мастерами, которые приезжали сюда со всей Италии. Один из самых известных примеров — Сикстинская капелла, стены которой расписывала целая плеяда мастеров со всех концов страны, включая Пинтуриккьо, приехавшего из Перуджи, и флорентийца Сандро Боттичелли. Рим меняет каждого мастера, потому что несет в себе всю суть европейской культуры. Его удивительный масштаб преображает художников, и это наиболее сильно будет заметно в XVI столетии, когда Рафаэль станет Рафаэлем именно здесь, а Микеланжело до конца сформулирует свое собственное художественное кредо.

Может быть, эта вещь не столь интересна в своем художественном качестве, сколько важна с точки зрения огромной роли, которую сыграл святой Франциск в итальянском обществе и культуре. Он совершил удивительные чудеса, основал нищенствующий орден, его личность и обеты целомудрия, бедности и служения людям — все это невероятно привлекательно. Но главное в его концепции — отношение к миру с любовью: не случайно он обращается ко всем со словами «братья мои». Братом в его речи может быть огонь, птица, гора или камень на дороге. Любовь к миру и одновременно осознание того, что весь мир может быть пронизан любовью к Богу, очень важны для святого Франциска.

Картина Маргаритоне дʼАреццо датируется 1260–1270 годами и иллюстрирует одно из чудес: Франциск настолько трепетно молился, что однажды на его руках и ногах возникли стигматы, что уподобляло его Христу. Интересно, что итальянская религиозная мысль и практика середины XIII века очень осторожно относились к этому феномену — показ стигматов церковь не одобряла. А к моменту написания картины отношение церкви к ним стало более спокойным, и художники демонстрируют их уже выявленно.

Это один из важнейших представителей яркого направления итальянской живописи рубежа XIV и XV веков, которое получило название — интернациональная готика. Это, с одной стороны, завершение предшествующей средневековой традиции, но вместе с тем в ее рамках возникают те течения, которые будут важны уже для ранней ренессансной живописи. Прежде всего, речь идет о той удивительной поэтичности восприятия мира и интереса к окружающим реалиям, которые передадутся искусству Возрождения. Интернациональная готика — искусство редкой красоты, со своим понимание и цветовых акцентов, и их композиции. Такая живопись важна для полноты картины развития итальянского искусства XV века, которое категорически не сводится только к ренессансным мастерам.

Наряду с интернациональной готикой и ее мастерами следует отметить выдающуюся фигуру Мазаччо. Последний так сильно повлиял на всю художественную традицию, что после него уже можно говорить об искусстве Возрождения. Мазаччо умер совсем молодым человеком, и среди тех, кто продолжил его дело, был Фра Беато Анджелико.

Это художник, который сначала был связан с городом Фьезоле, а потом в самой Флоренции работал в доминиканском монастыре Сан-Марко, роль которого в гуманистическом движении Флоренции и ее религиозном развитии невозможно переоценить. Монастырь был отстроен благодаря участию семьи Медичи, свои лучшие работы Беато Анджелико написал именно здесь.

На этой картине — та же история святого Николая, которая была у Джентиле да Фабриано, и мы видим насколько отличаются эти мастера. Беато восхищается красотой окружающего мира, обращает внимание на реалии бытия, пейзажа, он подчеркивает красочные одежды. И вместе с тем он мастер, который обладает поэтическим взглядом на мир. В Сан-Марко есть его лучшая, как мне кажется, работа — «Благовещение», совершенно удивительная картина, пронизанная восхищением перед окружающей природой и новым религиозным чувством, так важным для Италии XV века.

Кривелли принадлежал к венецианской школе живописи, хотя в самой Венеции почти и не работал. Мы знаем, что Венеция позднее, чем другие итальянские центры, вступила на путь ренессансного искусства. Поэтому для Кривелли еще огромную роль играет старая итальянская школа — иконографическое стремление показывать страстное, даже обнаженное религиозное чувство. Здесь еще сохраняется боязнь пустого пространства, но уже можно увидеть то, что будет потом отличать всю венецианскую живопись, — чувство цвета, декоративность и поэтичность этого цвета.

Благодаря Беллини осуществился переход от старой религиозной картины к новому алтарному образу — с иным пониманием религиозного чувства и живописного пространства. Джованни Беллини прожил очень долгую жизнь: начал работать в XV веке и завершил свой путь в XVI столетии. На протяжении жизни он всегда учился и сумел удивительным образом впитывать влияние окружающих мастеров, сохраняя при этом индивидуальность.

Эта верхняя часть алтаря очень показательна для его стиля: мастер демонстрирует свой талант художника монументальной формы. Алтарная картина всегда огромна по размерам и вписана в архитектурный интерьер, поэтому художник использует точку зрения, которая как будто бы расположена снизу, заставляя зрителя смотреть снизу вверх, — и даже сознательно искажает некоторые пропорции, чтобы усилить драматический эффект. Герои картины пребывают в религиозной экзальтации, особенно Мария Магдалина, и на фоне этих пленительных моментов в картине в полной мере формируется то ощущение воздуха и пространства, которое так важно для Венеции. Искусство Флоренции — это всегда искусство пластики, объема, светотени. А Венеция ориентируется на колорит.

Эрколе де Роберти представляет еще одну школу XV века — феррарскую. Флоренция будет лидером художественного развития первой половины XV века но потом с 60-х и 70-х годов в Италии возникает целый ряд новых центров. Феррара — город необычный, им правили тираны из семьи дʼЭсте. В отличие от властителей других городов дʼЭсте — фамилия аристократическая и старая, поэтому для Феррары и ее правителей было важно сохранить рыцарские идеалы. Именно поэтому город станет одним из центров придворной эзотерической мысли и очень сложной культуры, где будут развиты и музыка, и литература. Неслучайно именно из Феррара вышли крупнейшие поэты XV–XVI веков — Маттео Боярдо, Лудовико Ариосто, Торквато Тассо.

Это произведение — наиболее характерный пример феррарской живописи, которая выходит, с одной стороны, на новые ренессансные рубежи, а с другой — в ломких формах и собственном понимании архитектуры, пейзажа и цвета — сохраняет связь с искусством Средневековья и Северной живописи, откуда эти идеалы и происходили.

Главная вещь едва ли не на всей выставке — три музицирующих ангела Мелоццо да Форли, — которая важна именно для понимания города. Римское искусство в середине XV века создается приезжими мастерами, и приехавший в Рим Мелоццо (родился, собственно, в маленьком городке Форли в Эмилии-Романье. — Прим. ред.) испытал на себе сильное влияние как северной, так и центральной Италии: Пьеро делла Франческа и Андреа Мантеньи. От первого он берет понимание колорита и атмосферы, от второго — объем.

Эти фрески — чудом спасенные декорации римской церкви Санти-Апостоли, которая была связана тогда еще с кардиналом, который станет впоследствии папой Юлием Вторым (один из наиболее воинственных пап, но вместе с тем и наиболее щедрых покровителей искусства, который начал строительство собора Святого Петра и открыл для публики фрески в Сикстинской капелле. — Прим. ред.). В этой церкви Мелоццо да Форли написал ангелов, которые славят Христа. Начиная с пифагорейских времен музыка считается тем видом человеческой деятельности, который показывает гармонию мироустройства, и оттого прославление Господа всегда было связано с музицированием. Сама фреска разрушилась, когда переделывали церковь Санти-Апостоли в XVIII веке, но ее фрагменты удалось спасти и перевезти в Ватикан.

Мелоццо да Форли — мастер, который выводит римскую школу живописи на новые рубежи и этапы, и благодаря его вкладу она становится в полном смысле ренессансной. После него Рим готов к тем свершениям, которые случатся уже в XVI веке — в эпоху Высокого Возрождения, связанного с именами Рафаэля и Микеланджело; они в полной мере реализовали себя именно в Риме.

Очередная партия билетов на выставку в онлайн-продажу должна поступить 12 января 2017 года.