На какие выставки сходить в марте 2024 года

В музее, где и так часто можно встретить экспозиции, посвященные авангарду, решили поговорить о роли евреев в развитии российского искусства — угол зрения логичный, но для многих не столь очевидный. После отмены черты оседлости в начале XX века талантливые еврейские художники и литераторы устремились в Москву и Петроград, где благодаря обретенной свободе сыграли важнейшую роль в формировании и развитии советского авангарда. Марк Шагал, Натан Альтман, Иосиф Чайков, Эль Лисицкий, Роберт Фальк, Давид Штеренберг и другие авторы, принадлежавшие к различным течениям, успешно адаптировали формальные открытия модернизма к своим опытам по созданию «нового еврейского искусства». В экспозиции собрали более сотни картин и графических работ из главных российских собраний и частных коллекций.

В Пушкинском стоит успеть увидеть результаты масштабного технико-технологического исследования двух картин, пожалуй, из самой знаменитой серии Клода Моне, которые находятся в собрании ГМИИ, — это «Руанский собор в полдень (Портал и башня д’Альбана)» и «Руанский собор вечером». Технологи, реставраторы и искусствоведы получили уникальную информацию о творческом методе Моне, материалах, которые художник использовал в своей работе, а также смогли уточнить важные детали, касающиеся истории создания произведений.

В Новой Третьяковке завершается большая ретроспектива Николая Рериха, где собраны свыше сотни картин и графических листов «мастера гор» — от шедевров раннего творчества «Гонец» и «Заморские гости» до работ индийского периода «Гуга Чохан» и «Ченрази». Также на выставке Рерих представлен как гениальный театральный художник. Впервые публике демонстрируют отреставрированный задник размером 10×23 метра, который Рерих создал в 1908 году для дягилевского балета «Половецкие пляски». Этот экспонат — теперь самый большой в Третьяковке — приобрели в 2021 году вместе с коллекцией костюмов «Русских сезонов», которую год назад можно было увидеть на выставке «Дягилев. Генеральная репетиция». На протяжении многих десятилетий декорация хранилась накатанной на вал и теперь нуждается в масштабном восстановлении — первый этап завершен специально к выставке.

К началу весны в пространстве фуд-молла появился арт-объект Тараса Желтышева, работы которого не так часто можно увидеть в Москве, после того как художник вышел на международный рынок. Он прилетел из Бангкока, где развивает свою мастерскую, чтобы расписать скульптуру прямо на глазах у зрителей. Она продолжает художественную вселенную Yoomoota, исследование человеческих эмоций и взаимоотношений. Белый персонаж, усеянный сердцами и поцелуями, скрывает в себе несколько метафор, связанных с чувством любви. Так, сам белый цвет, как и любовь, сложно разложить на понятную формулу. Он соединяет в себе все цвета и предстает в разных оттенках. По задумке, арт-объект служит порталом в художественную вселенную Yoomoota. И чем выше концентрация любви, тем масштабнее этот портал.

На персональной выставке Романа Резницкого представлены его полотна последних лет, построенные на совмещении изобразительной и популярной культуры. Несмотря на сходство с поп-артом, он не использует трафареты и техники печати, а создает работы с помощью кисти и густой краски, собирая сюжеты из образов массовой культуры, явлений обыденной жизни и личных символов автора. Во многом они напоминают ребусы: тени складываются в лица влюбленных, дорожная зебра — в античную колоннаду, а пар от кофе — в воздушный поцелуй. С одной стороны, это обезличенные образцы культуры потребления, с другой — гипертрофированные картинки, срежиссированные ситуации.

Выставка в новой галерее М2 посвящена вечному сопоставлению классического и современного искусства. Кураторы Алексей Масляев и Ан Кубанова отобрали работы девяти актуальных авторов: новые медиа и фотографию, объекты и инсталляцию, живопись и графику. И показывают на их примере, что классическая культура — это не столько узнаваемый набор визуальных образов, сколько подвижная и исторически обусловленная модель мировосприятия. И современное искусство не только поддерживает это представление, но позволяет традиции развиваться и быть прочитанной по-новому. Так, посетители увидят пасторальные сюжеты на окраинах городов, ангелов, написанных аэрозолем, современную скрижаль и процесс преобразование искусства в цифровой массив данных.

На двух площадках Marina Gisich Gallery открывается двусоставная ретроспектива Юрия Никифорова. Эта выставка под кураторством Александра Дашевского — попытка переоткрыть художника, не получившего должного внимания на российской арт-сцене при жизни. Помимо общественной деятельности Никифоров, которого часто называют последним модернистом ленинградского андеграунда, создал множество крупномасштабных брутальных панно, картин, объектов, в которых воедино сплавлены природные и промышленные материалы: стекло, железо, песок, земля, гудрон, хлеб, арматура и многое другое. Именно на брутальный экспрессионизм Никифорова предлагают взглянуть в основных залах галереи, рассматривая его язык как сложное социально-критическое высказывание. А в Marina Gisich Projects можно увидеть редко экспонировавшиеся рисунки и картины 1980–1990-х годов и проследить основные сюжеты в его творчестве.

В восточном павильоне Михайловского замка открылась любопытная и не вполне обычная для Русского музея выставка — совместный проект с центром Art & Science Университета ИТМО. Специально для нее художники создали аудиовизуальные инсталляции, сосредоточившись на синергии искусства, науки и технологий. Опирались как на работу в лаборатории с учеными, так и на новейшие исследования электронных медиа и искусственного интеллекта. Например, на экспозиции можно узнать, как звучат водоросли, как выглядят скульптурные слепки человеческих эмоций, а еще совершить звуковое путешествие по тропинкам антарктического оазиса Холмы Ларсеманн.

В Петербург привезли уже показанный в московском ГМИИ масштабный межмузейный проект об истории выставок современного искусства, которые проводила Королевская академия в Париже XVIII века, — знаменитых «Салонов». В экспозиции собрали популярную живопись, скульптуру и графику того времени — всего почти двести объектов из крупнейших российских собраний. А также воссоздали характерную многоярусную развеску по жанрам. Большой раздел посвящен знаменитым «Салонам» Дени Дидро — критическим обзорам выставок в Лувре, затрагивающим вопросы не только истории искусства, но и эстетики и философии, которые влияли и на развитие вкусов коллекционеров, и на европейский рынок искусства в целом.

Совместный проект двух топовых актуальных художниц — Ирины Кориной и Ольги Божко — посвящен неизбежности переосмысления нашего прошлого. В своих работах они наделяют сакральными значениями простые предметы, не имеющие высокой художественной ценности, например рукодельные деревянные скворечники и вышитые кроссворды. И тем самым погружают в пограничное состояние между сном и явью, вызывая волну личных воспоминаний, неизбежно измененных временем и нашей собственной памятью. Можно сказать, что художницы в некотором смысле создают эффект сломанного телевизора, транслирующего мутирующие бытовые сообщения и картинки. По задумке в голове зрителя они будут обрастать новыми историями, мифами и легендами, искажающимися в процессе их передачи и восприятия и словно размывающие границу между прошлым и настоящим.

В Музее Набокова экспонируют сайт-специфик-проект, который резонирует и с энтомологическим увлечением писателя, и с главным вопросом, который он задает своим героям, — о возможности метафизической смерти и бессмертии души. Выставка в «Зеленой гостиной» — это размышление петербургского скульптора Антонины Фатхуллиной о феномене трансформации. Все началось с эксперимента: в собственной мастерской художница выращивала шесть видов живых бабочек, скрупулезно фиксируя каждое их изменение, чтобы разгадать тайну метаморфозы — состояние куколки, или кризалис. В своих эскизах, на холсте, в видео, а затем и в скульптуре автор повторяет линии кокона, изучая его конструкцию и архитектуру, и предлагает зрителю представить вместе с ней, что же на самом деле творится внутри.

Продолжая взятый арт-институциями курс на ориентализм, «Росфото» открывает масштабный проект о многовековой страсти к восточным странам, показывая фотографии, сделанные там учеными, художниками и туристами XIX — начала XX века. Еще с момента возникновения этого жанра фотографы стремились запечатлеть выразительные храмы Египта, дворцы Константинополя или пейзажи Святой земли. Именно благодаря этому явлению, научным экспедициям и коммерчески успешным ателье фотография тогда распространилась по миру и открыла для широкого круга зрителей экзотические виды Китая, Монголии, Японии, Филиппинских островов, Сингапура и других локаций Шелкового пути. Среди более чем двухсот экспонатов — редкие кадры Николая Чарушина из Монголии, снимки Дмитрия Ермакова и Феликса Бонфиса из Турции, египетские фотографии из ателье братьев Зангаки и Антонио Беато, работы придворного фотографа Антона Севрюгина из Ирана, а также снимки ташкентского ателье Александра Энгеля.

К 180-летию Ильи Репина в подмосковном «Новом Иерусалиме» открылся большой межмузейный проект: полотна привезут из двадцати российских музеев и четырех частных коллекций. Причем это не классическая ретроспектива. Оставив за скобками хрестоматийные работы Репина, создатели делают фокус на творческих поисках мастера — исследовании анатомии и окружающего мира, а также на его взаимоотношениях с младшими коллегами. Более сотни репинских работ разных лет в экспозиции переплетутся с разнообразным по манере творчеством его воспитанников: Валентина Серова, Бориса Кустодиева, Филиппа Малявина, Исаака Бродского, Константина Сомова, Зинаиды Серебряковой и других. Основываясь на ключевых заветах Репина, выставка будет состоять из трех разделов: «Тело так тело», «Учитесь у природы» и «Идите своим собственным путем».