12 молодых режиссеров, которые создают самые интересные спектакли прямо сейчас

Хедлайнер нового поколения режиссуры создает вселенные, которые сложно с чем‑то спутать: в них живут простоватые и в то же время надмирные персонажи. Они слабее и лучше той реальности, в которой вынужденно оказались, они не пытаются ей сопротивляться, а выживают (если выживают) только благодаря внутренним резервам.

За прошлый сезон Федоров выпустил два неоспоримых хита «Где ты был так долго, чувак?» с пространством «Внутри» и «Котлован» в новосибирском театре «Старый дом», который, к слову, в тот же момент и возглавил. Персонажи этих спектаклей — яркие представители миров Федорова: трогательный Чебурашка-политзэк в исполнении Розы Хайруллиной, его лихой сокамерник (Дмитрий Куличков) и рабочие, то ли строящие прекрасный проект будущего, то ли попросту копающие себе братскую могилу. Федорова интересует нежный человек, зависший между своим незадачливым прошлым и, скорее всего, ужасающим будущим.

Самая свежая премьера — «Вишневый сад» в Воронежском камерном театре, по словам очевидцев, чуть ли не лучшая работа режиссера, за которой необходимо срочно стартовать в Воронеж. Следующая премьера состоится в Москве в январе — совместно с агентством «Арт-партнер XXI» Антон Федоров выпускает «Мадам Бовари» с Натальей Рычковой, Розой Хайруллиной и Виктором Вержбицким.

«Каким я вижу свой театр сегодня? Живым, честным и говорящим со зрителем на языке близком к животному, потому что слова как будто больше не работают. Мой театр — это театр, говорящий на сложном языке, на языке доисторического человека».

Режиссера Филиппа Гуревича обычно интересует герой, переживающий переломный момент, испытывающий на себе действие искушений или обстоятельств почти непреодолимой силы. Его спектакли — это всегда отличный плейлист, предельно эстетизированная картинка, гротесковое актерское существование, выбеленные лица и остранение.

«Войцек» в Театре Маяковского — вневременная и в то же время слишком сегодняшняя трагедия неспособности противостоять аду внутри и вокруг себя. Главный герой — цирюльник Войцек убивает свою жену, ибо не видит возможности выбора в существующих реалиях.

Главный хит Гуревича — спектакль «Черная пурга» Новокузнецкого драматического театра, номинированный в этом году на «Золотую маску». Это одновременно российский «Твин Пикс» и новозаветный хоррор о менеджере крупной компании, приезжающем в город N расследовать смерть шахтера.

В РАМТе, где у Гуревича уже идет роуд-муви для подростков «Василисса», в феврале будет премьера «Ленинградских сказок» по мотивам цикла повестей Юлии Яковлевой о репрессиях, войне и блокаде.

«Мне интересно говорить про внутреннюю несвободу, про компромисс, терпимость и нетерпимость, про инаковость. Про дом, семью и про то, как не потерять любовь и Бога внутри себя. Под Богом я разумею какой‑то нравственный закон. Мне интересно говорить про то, что нельзя устраивать войну внутри своей семьи. Мы забываем о том, что вокруг нас и так все непросто, и эгоистично терзаем своих близких».

Александр Плотников тонко чувствует настоящее и для того, чтобы точнее его сформулировать, обращается к не самому очевидному, но точному материалу прошлого. Одна из его последних премьер посвящена ядерному взрыву, другая — судьбам советских евреев (можно ли актуальнее?). За острейшие темы он берется трезво, без лишних эмоций, давая материалу говорить за себя.

«Хиросима» в пространстве «Внутри», которую Плотников сделал вместе с театром «Дочери Сосо», — это до боли тихие свидетельства очевидцев взрыва, которые актрисы транслируют с максимальной деликатностью, не пытаясь напугать, а лишь делясь тотальной растерянностью.

В основе спектакля «Красная книга» в театре «Шалом» — неосуществленный проект Ильи Эренбурга, который хотел собрать истории советских евреев времен Великой Отечественной войны. Плотников и его команда воплотили в жизнь уничтоженный в зачатке проект и дали голос тем, кто раньше не мог быть услышан.

В ближайшем будущем режиссер планирует несколько постановок на независимых московских площадках.

«Пока идет — вернее, не идет — дело „Финиста“, я свой театр никаким не вижу. Тут нет никакой доблести, нет никакой радости, есть просто некое выживание внутри театра с теми смыслами, при которых с самим собой еще не противно. Есть задачи, которые театр, наверное, не в состоянии решать, но то, с чем театр может иметь дело, — это смыслообеспечение. Пускай эти смыслы недолговечные, пускай они компромиссные и во многом ущербные, но они все равно отвечают на вопрос: „Как нам жить в той ситуации, в которой мы находимся?“ Не стоят задачи заниматься творчеством, создать произведение искусства, стоит задача фиксации своего бултыхания в обстоятельствах».

Чуткий режиссер, отточенного вкуса, и истинный ученик Сергея Женовача. С каким бы материалом ни работал — всегда движется от текста, вкрадчиво вслушиваясь в него.

Безусловная удача Мурата Абулкатинова — «Телемах» в московском театре «Среда 21» по пьесе новоиспеченного нобелевского лауреата Юна Фоссе. Это история вязкого ожидания, миф, помещенный в безвременную современность. Телемах и Пенелопа ждут Одиссея после Троянской войны и двадцатилетних скитаний. Телемаху двадцать, и всю свою жизнь он потратил преимущественно на ожидание той встречи, которой будто бы так и не суждено состояться.

Еще одна прекрасная работа режиссера — «Июльский дождь» в Музее Москвы, который он сделал вместе со студентами режфака ГИТИСа. Сценарий легендарного оттепельного фильма Хуциева в руках Абулкатинова обретает новое звучание: парящие юные актеры и ненавязчивая театральная реальность добавляют этой истории любви (и нелюбви) дополнительной полетности.

Из ближайших московских планов Абулкатинова — спектакль о первой любви «Десять посещений моей возлюбленной» Василия Аксенова в Театре Наций в марте 2024 года.

«Юноша из нашего „Телемаха“ — это одна из граней сегодняшнего человека, который вроде вырос, но на самом деле лишь замер в каком‑то ожидании. Он ждет и верит, что его ожидания не напрасны. И мне кажется, эта мечта, надежда — это тоже одна из граней того, что сейчас происходит с людьми. Надежда — не самое светлое чувство, в нем больше тоски. Встреча Телемаха с отцом так и не произошла. А могли ли встретиться отец и сын? Сын, которого отец не знает, которого он покинул, когда тот еще был младенцем, может ли у них состояться встреча как отца и сына? Телемах верит в эту иллюзию. Человек, который верит в иллюзию, — это тоже сегодняшний человек».

Михаил Плутахин — нежный основатель «Театра предмета», в котором на первый план выходят предметы и руки, их передвигающие. К тому же он ставит спектакли для детей и чарующе умеет наладить с ними контакт и рассмешить так, что животики надорвешь.

Главные хиты Плутахина — это «Наблюдатели» в Музее истории ГУЛАГа и «Священный талисман» в Еврейском музее. Оба предметных спектакля посвящены теме памяти: в «Наблюдателях» задействованы реальные вещи из концентрационных лагерей, «Священный талисман» — хрупкое повествование о детских воспоминаниях и разрушающей их войне.

На днях в театре «Практика» состоялась премьера спектакля «Простодурсен» по книге норвежского автора Руне Белсвика. Смешные чудики Ковригсен, Сдобсен, Октава и Простодурсен кидают в речку бульки, пекут коврижки, спасают утку от Пронырсена и экологической катастрофы — и делают это все с нечеловеческим обаянием. Спектакль — час беспримесного счастья.

«Мне сейчас интересно исследовать два жанра: современную клоунаду и театр предмета. Для меня они оба работают с воображением зрителя и провоцируют на диалог на уровне подсознания. Например, я так поставлю кружку, что зритель увидит, что она в отчаянии или на кого‑то злится, а потом разыграю с ней целую историю, не произнося ни слова.

В клоунаде, помимо изучения комедийных инструментов, мне интересно то же самое. Клоун для меня является предметом, образом. Он несет за собой определенные содержание и впечатление. Мне интересно это отлавливать и сочинять из этих впечатлений истории в воображении зрителей».

Бескомпромиссный и смелый режиссер Елена Павлова может заставить героев «Чайки» петь «Плачу на техно», а в спектакле про академика Сахарова не дать никому произнести ни слова и вывести на сцену водородную бомбу в виде красивой женщины. В своих работах сегодня Елена Павлова фиксирует распад и потерю возможности договориться.

«Чайка» в Александринке, «Сахаров» в Новокузнецком театре драмы и «Тело театра» екатеринбургских «Провинциальных танцев» — сразу три спектакля Елены Павловой номинированы в этом году на «Золотую маску».

Персонажи «Чайки» завывают в караоке о своей неразделенной любви и потраченной жизни: «Паромщик» здесь соседствует с Наталией Орейро, а растиражированные чеховские монологи вступают в истинно метамодернисткие отношения с поп-хитами. За всем этим вдруг обнаруживается трагическая хрупкость и невозможность настоящей коммуникации.

В ближайших московских планах Елены Павловой — участие в лаборатории «Артхаб» в МХТ с эскизом «Маша и медведь» 26 января.

«Все, что происходит, говорит о том, что мы все немножко обосрались, что театр не способен решить какие‑то задачи. Я думаю, что театр может ставить вопросы и, возможно, даже не отвечать на них. Сегодня мне интересно говорить со зрителем про расчеловечивание, про озверение общества, про то, куда мы все катимся, как далеко мы можем зайти. И в основе этого расчеловеченного измерения лежит жуткий эгоцентризм, себялюбие и абсолютное отсутствие эмпатии. Мне кажется, это то, что очень свойственно нашему обществу. И в основном про это я сейчас разговариваю в своих спектаклях».

Александра Толстошева — одна из лучших учениц мастера Юрия Погребничко, а ее нездешние спектакли в основном появляются в театре «Около». В них нежные и странные люди молчат о любви, существуя где‑то вне слов, быта и бытийности. Одеты они то ли в кринолины, то ли в ватники, веет от них светлой тоской, вчерашним праздником и несбыточной надеждой.

Смотреть надо в первую очередь «День рождения Смирновой» в МТЮЗе — щемящий и ироничный праздник трех нелепых, так ищущих любви женщин; «Сирано де Бержерака» в театре «Около», в котором тебе и Сирано, и д’Артаньян, и Мюнхгаузен, и целый карнавал мировой культуры в телогрейках. Самая свежая премьера Толстошевой — «Клоуны», спектакль, вдохновленный одноименным фильмом Феллини, в котором создатели обращаются к клоуну как архетипу, разрезают женщину и вообще много чудят.

Ближайшей премьерой Александры Толстошевой станет «Моцарт и Сальери» в БДТ в апреле.

«Я давно мечтала заняться тем, что сделала в „Клоунах“. Это отдельная профессия, и я сейчас только на ступенечку шагнула, а там есть еще бесконечное количество возможностей. Клоунада хоть и имеет отношение к драматическому театру, но это совершенно другая профессия. Это близко к тому театру, которым я занимаюсь со своим мастером, потому что клоун — это любой персонаж. В принципе каждый артист должен содержать в себе какого‑то клоуна, ну или хотя бы стремиться к тому, чтобы он был. Мне неинтересен сюжет, а клоун — это бессюжетный персонаж. Надо было дойти до такого состояния, чтобы почувствовать смелость этим заняться».

Дмитрий Крестьянкин — панк-режиссер, его кредо «театр — это прикол», он создал «Плохой театр» и не продает в него билеты. Он ставит спектакли-рейвы про девяностые, спектакли про терроризм, работает с инклюзией и благотворительными фондами и даже номинирован на «Золотую маску» за спектакль о, ни много ни мало, директоре императорских театров Владимире Теляковском.

«Квадрат» — самый хитовый спектакль, с которым Крестьянкин исколесил, кажется, всю Россию. Поставлен он по монологам его друзей-туляков, соседей по детству. Там и про «Сегу», и про «Турбо», и про «Иванушек», и про то, как девяностые все еще прорастают в нас — и чем это чревато.

Его «Красный фонарь» — и вовсе спектакль, по определению создателей, «музейный, просветительский». Он о том, как Теляковский ловко продюсировал главные театры страны в начале XX века, как маневрировал между запретами и цензурой, как отстоял Шаляпина, когда в 1905 году тот исполнил в Большом театре революционный трек «Дубинушка».

Крестьянкин много работает с подростками, в том числе поставил спектакль «Поиск продолжается» о поисковой службе «ЛизаАлерт» с артистами «Маяковки»: раньше они играли его в школах, теперь же он вошел в репертуар Театра Маяковского.

В проекте «Театральный дом» Дмитрий Крестьянкин готовит спектакль по современной поэзии с воспитанникам детских домов; в Камерном театре Малыщицкого — документальную постановку про бабушек у подъезда; в «Плохом театре» — спектакль об ирландской идентичности. В Театре Маяковского же запланирована премьера, грозящая обернуться слэмом и мошем.

«Мой театр сегодня — это огрызок, руины того, что могло быть. Мы потеряли огромное количество драматургов, продюсеров, критиков, режиссеров, актеров, саунд-дизайнеров, художников, которые были частью нас (частью нас они и остались), но теперь работать вместе мы не можем по ряду независящих от нас причин. Поэтому да, такие руины, по которым бродят оставшиеся безумцы и пытаются не забыть, как говорить».

Андрей Гончаров — главный метамодернист российской сцены. В его репертуаре крестьянский мюзикл о домашнем насилии и постироничная женитьба; в его «Отелло» Яго — женщина, а рядом с ней Игорь Николаев.

«Чрево» в МХТ — то ли заявленный в программке крестьянский мюзикл, то ли домашний хоррор. Ужасающую историю семейных убийств и расчлененки Андрей Гончаров остраняет лирическими околоцерковными распевами.

«Женитьба. Трагедия?» в Театре на Таганке — истинный метамодерн с панельками, небинарным Подколесиным и свахой-госпожой. Если начинается спектакль разухабистым китчем, то к концу оборачивается настоящей трагедией: как бы скептически современный человек ни относился к институту брака, все же одиночество его пугает чрезвычайно.

«Бесконечная история» в МТЮЗе — феноменальная сказка по роману Михаэля Энде. Это спектакль для всей семьи, завораживающее путешествие по фантазийным мирам с кентаврами, рокерами, поп-хитами, цитатами из классики и актуальной новостной повестки.

«Мне важно, что происходящее на сцене в конечном итоге помогает человеку лучше понять другого человека. Я стараюсь сохранить общение в реальном времени актера и зрителя в пространстве спектакля. Сегодня мне близок театр, который соединяет людей и вдохновляет на преображение окружающей нас жизни».

«Эскизы в пространстве» возникли уже давно, но сейчас будто бы обретают дополнительные суперсилы. Помимо московских постановок, независимая группировка занимается спектаклями-променадами по всей Руси и строит свой сельский театр под Суздалем в деревне Фомиха.

На днях у «Эскизов» состоялась премьера спектакля для детей «Как я стал художником» в Новом пространстве Театра Наций. Это хождение по подвальным помещениям Нового пространства вслед за молодым перформером в исполнении Никиты Мальцева в поисках истоков его творчества. Тут и бабушка-японистка, и дедушка-моряк, перемещения через шкафы и холодильники и таинственные исчезновения отцов.

Уже 16 декабря в театре «Практика» состоится премьера спектакля о мегаполисах «Вавилон».

«Мне интересно и сейчас, и всегда отвечать на вопросы связанные с человеком, с его чувствами, состояниями, постоянным беспокойством, одиночеством, поиском счастья. Это лично для меня важная тема. Человек и человек, человек и отсутствие человека, человек и много человеков».

«Как оставаться честным — всегда интересно искать ответ на этот вопрос. И каков процент честности в тебе. Достаточно ли ты честен, и что такое честность в нынешних условиях жизни. Задача одна — выжить и сохранить в себе человека, не пуститься в осуждение, принять всех со всеми недостатками. Построить театр в глухой деревне и выступать в Москве одновременно — такие задачи».