Панда Бэр, Belle & Sebastian, Death Grips, Rae Sremmurd, Меган Трейнор и другие

Что и как

Про альбом, видимо, спотыкаясь о мрачного жнеца в названии, всюду пишут, что он про страх смерти, взросление, ответственность за семью и прочее, что Леннокс действительно много раз прежде и сам называл темами своей музыки. В какой-то степени все это в путаных текстах песен углядеть можно, но вообще «Panda Bear Meets the Grim Reaper», наоборот, меньше других альбомов музыканта связан с его личной жизнью: дети, про которых Леннокс так проникновенно пел в «My Girls», подросли и папину музыку совершенно не выносят. Название гораздо вернее отсылает к даб-классике, когда Кинг Табби точно также встречал рокеров, а Scientist – инопланетное вторжение. «Panda Bear Meets the Grim Reaper» и есть, в общем-то, дабовый альбом: битый час Леннокс травит свои сладкие, похожие попеременно то на детские песенки, то на церковные песнопения мелодии зажеванными техно-ритмами, переливчатыми синтезаторами и посторонними шумами. В век инстаграма таким описанием никого не удивишь: все мы немного даб-продюсеры впечатлений своей жизни. Чудо в том, что музыка Леннокса совершенно не чувствуется сделанной «через фильтр» — она естественна и ползет, и клокочет куда-то, словно и не подозревая, что ее фиксируют. Как будто Леннокс нашел такое место, которое само по себе выглядит, как чье-то опоэтизированное и удивительное воспоминание.

Зачем слушать

Лучше Леннокса психоделический поп в его изначальном — не ретро- и не стилизованном — смысле сейчас никто не делает. Синглы «Mr Noah» и «Boys Latin» средствами подгулявшего техно и исковерканного хип-хопа достигают тех же целей, что и какие-нибудь «Good Vibrations» и «I Am The Walrus».

Что и как

Эмси Райд и его команда явно живут в каком-то своем мире: могут себе позволить одновременно и распасться, и выпускать альбомы и объявлять о выпуске туров, назвать инструментальный альбом «Неделя моды» и выпустить его в преддверии всех недель моды. Самого Райда по понятной причине на альбоме нет, но это как раз и к лучшему: становится понятно, из каких ниток сшиты сами Death Grips — классический хип-хоп, современная электроника, пост-панк, чиллвейв, вейпорвейв и немного нойз-рока. Судя по тому, что названия треков здесь складываются в «Jenny Death When» — то есть в название будущего альбома группы — к «Fashion Week» не стоит относиться совсем уж серьезно, но отдельные треки, как «N» или «H» хороши и без привязки к Death Grips; здесь вообще удивительно, насколько некоторые треки на них не похожи.

Зачем слушать

Чтобы понять, из чего устроена одна из самых странных и сумасшедших групп настоящего момента, и нужен «Fashion Week» — равно как и просто как то, что поможет скрасить ожидание следующего полноценного альбома. Самая главная радость этого инструментального сборника — каждый может себе представить, что модели действительно могут вышагивать по подиуму под эти треки; если у вас достаточно хорошо развито воображение, картина перед вашими глазами предстанет удивительная.

Что и как

Двое совсем юных братьев Браунов из Атланты, одному двадцать, другому — девятнадцать. Приметил их продюсер MikeWillMadeIt (Rae Sremmurd — это просто перевернутое название его лейбла Ear Drummers) и написал для них песню «No Flex Zоne» (если перевести на русский, то получится что-то вроде «Скажем «нет» позерам!»). Песня стала вирусным хитом, счетчик YouTube пошел на миллионы, к ней захотели дописать свои куплеты люди типа Ники Минаж, а когда у братьев появился еще один хит-миллионник («No Type»), про Rae Sremmurd заговорили всерьез.

Зачем слушать

Rae Sremmurd очень обаятельные — как Chris Kross наших дней. Только если у звезд тин-хопа 90-х был недетский драйв (песней «Jump» до сих пор раскачивают публику перед рэп-концертами), то у Браунов энергия другого рода. В их песнях про алкоголь и девочек есть тревога и какая-то грустинка. Они хорошо ложатся на музыку Майка Уилла, который делает с хип-хопом то же самое, что группа The xx с инди-роком: освобождает биты от всего лишнего, здорово работая с пустотой. Ну и песни он пишет отличные: весь альбом — это один большой, растянутый на 11 треков, хит. Выключить даже не пробуйте.

Что и как

Еще в 2011 году новозеландец Лино Лавкрафт умудрялся жить во Франции, слушать группу Sparks и делать футуристичный синтипоп по моде того далекого времени. Через три года примерно так же стала звучать некоторая массовая русскоязычная музыка, а сам Лино, успев выпустить еще два крошечных альбома, несколько красочных клипов и наполнив свою страницу на Tumblr картинками неоново-конфетного будущего, адаптировался к новой реальности и влился в поток современных Soundcloud-продюсеров, выпускающих музыку с совершенно зашкаливающим уровнем умилительности. «Platinum Planet», вышедший на интернет-лейбле Райана Хемсворта Secret Songs, особенно примечатален не только сочетанием эстетики неоновых двухтысячных и красочных 2013-2014 гг., но и тем, что трансформация была проведена и с треками — 2 песни с нового EP являются сильно модифицированными версиями оригинальных треков с вышедшего в 2011 году «Cyborg Aquatic Kittens». сhindamo же — один из тех самых Soundcloud-продюсеров, в чьи ряды влился Лино Лавкрафт. Ему 15, он живет в Канзасе, и он делает музыку в гиперсахарной, сверхумилительной эстетике, во многом родственной лейблу PC Music. В этом он, впрочем, не одинок — на Soundcloud найдутся десятки известных и, наверняка, сотни неизвестных американских школьников (и сочувствующих им), занимающихся похожими делами и сочетающих в себе любовь к покемонам, играм Nintendo из двухтысячных (таким как, например, Animal Crossing) и самым разным современным музыкальным жанрам — от трэпа до хэппи-хардкора. 

Зачем слушать

Пусть все это не останавливает вас: «Platinum Planet» — невероятно милый маленький альбом, а что до переделки фасада, то с сохранением лишь внутренней структуры создали много интересных вещей, в том числе и Дом Моссельпрома, памятник русского авангарда. Важное же отличие сhindamo от некоторой части окружения — невероятная мягкость. У него даже комичный трэп превращается в идеальную колыбельную (см. «winter dolphins»), а подростково-лиричное описание альбома прекрасно дополняет общее ощущение пост-интернет умиротворения, которого так не хватало наполненному страхами восьмидесятых и девяностых вэйпорвейву.

Что и как

«Hawaiian Breeze» — уже четвертый архивный альбом Льюиса за последний год и, вероятно, не последний: сам Льюис, также известный как Льюис Балу (под этим псевдонимом был выпущен его второй и лучший альбом «Romantic Times»), Рэнди Дюк и Рэндалл Вулфф (его настоящее имя), уверяет, что с начала восьмидесятых записал «50 или 60» альбомов. После того, как лейбл-молодчина Light In The Attic с коротким перерывом переиздал в прошлом году два редчайших, но все же слышанных до того хоть кем-то альбома Льюиса, а самого шестидесятилетнего Льюиса чудом нашли пытливые энтузиасты (отчего некоторые заинтересованные парадоксальным образом даже огорчились: «он настоящий!»), и несмотря на то, что сам певец не проявил никакого интереса к внезапно свалившемуся на него признанию, в свет стали выходить прежде нигде не засвеченные записи его авторства. Они несколько отличаются от признанных многими одними из лучших переизданий прошлого года «L’Amour» и «Romantic Times»: да, это все та же слезливая и максимально неторопливая мужская лирика, докрученная до экстремальных пределов и оттого где-то даже жутковатая любовная романтика, но кое-что все же изменилось. Интонации — на еще более монотонные (хотя куда, казалось бы, дальше), голос стал куда более наждачным, ну и сменилась оптика, перспектива, если угодно: этого невесомого и едва уловимого эмбиентного заднего плана стало меньше; точнее, он уполз куда-то на периферию, а аранжировки стали еще аскетичнее. Очевидно, перед нами более поздние песни Льюиса, аккуратно ушедшие от того, что условно можно было бы обозвать потусторонним софисти-попом, к более свойственному этим душевным терзаниям блюзу, задумчивому и интровертному.

Зачем слушать

Стиль Вулффа узнается на раз: в каком-то смысле, если вы слышали одну песню Льюиса, вы слышали их все, однако это вовсе не претензия — это называется почерк, и он у канадского певца редкостный и изящный. Изящество, правда, самую малость подводит «позднего» Льюиса, и на длинных дистанциях, как на прошлогодней кассете «Love Ain't No Mystery», его пространная любовная исповедь начинает утомлять. Чего совершенно лишен «Hawaiian Breeze», потому что он грамотнее составлен — да и что уж тут, попросту вдвое короче.

Что и как 

Ветераны тви-попа выпустили девять альбомов за двадцать лет, а прошлый вышел в 2010 — вечность назад, если измерять летними хитами и сиюминутным вниманием радиослушателей. Чтобы не исчезнуть в истории после двух крепких поп-альбомов и трогательного, но провалившегося в прокате мюзикла God Help the Girl, Belle and Sebastian недостаточно держать планку: они должны переиграть самих себя, удивить старых поклонников и завоевать новых слушателей. Чем и занимаются на «Girls in the Peacetime Want to Dance».

Зачем слушать

В каждом альбоме Belle & Sebastian есть то, чего не хватало героям «Волшебника Изумрудного Города» — острого ума, доброты и храбрости. Но теперь шотландцы обзавелись амбициозностью, которой дебютантам стоит позавидовать. «Girls in the Peacetime Want to Dance» — это перерождение Belle & Sebastian с новыми идеями и новым звуком. Прячась за альтер-эго по имени Элли и концепцию альбома-сборника с Евровидения, группа изобретает себя заново: кроме привычной палитры, здесь играет софт-рок в духе Electric Light Orchestra, диско-трек о поэтессе Сильвии Плат и даже хаус.

Что и как

Эрол Алкан крайне избирателен в том, кого подписывает на свой лейбл Phantasy — и Джеймс Гринвуд его своим дебютным альбомом точно не подвел. Сперва кажется, что это музыка ретроспективная, несколько устаревшая, но стоит дать ей немного времени — главное ее достоинство в том, что она очень живая. Напоминающая об очень многих вещах: Мэттью Дире, немецком минимал-вейве, последних Caribou и Metronomy, Йенсе Лекмане и чем угодно еще, эта пластинка в итоге не приходит к общему знаменателю: Гринвуд поет песни, которые ты уже давно слушал, но которых на самом деле не существовало. Слово «призрак» в названии не случайно — лучших результатов здесь достигают, когда ко всему добавляется какая-то неуловимая дымка ушедшего навсегда времени, как, например, в «How» «Glasiers» и, как это ни иронично, в треке «The Fog». Здесь есть какое-то совсем нечеловеческое обаяние — и очень жаль, что этот альбом выходит именно сейчас.

Зачем слушать

«Ghost Culture» — альбом непритязательный, не выпячивающий себя, да еще и выходит в январе: если он попадет в хотя бы какие-то итоги года, это будет чудом. Стоит ли говорить о том, что он, при всей своей стеснительности, очень этого даже достоин — хотя по каждой песне тут кажется, что с этим альбомом легче жить, его хочется переслушивать, но на то, чтобы запоминать и нести в своем сердце, сил уже не хватит. Впрочем, это ли не проблема большинства музыки в целом? Гринвуд уж точно ни в чем не виноват.

Что и как

За премилым псевдонимом скрывается Ренат Туктаров, москвич из Стерлитамака, про основной проект которого, Melan!, мы уже как-то писали. Тут — совсем другое дело: из списка используемых инструментов сразу бросаются в глаза аккордеон «Малыш», записи пения птиц, а также «всяческие завывания да помехи»; на выходе получается неброская и скромная акустика, обрамленная различными привлекающими внимание звуками. Это даже и не альбом, а лишь его половина — страсть молодых русских музыкантов к подобному разделению (прецедентов уже было достаточно) нам еще только предстоит осмыслить, но второй половины дождаться стоит точно. «Setka» это музыка искренняя и напоминающая о том, что в любом городе всегда найдется место природе — это не уход в лес и не возвращение к корням: любое сравнение с каким-нибудь «Архистратигом» БГ или альбомом «xalkolivan» возможны только в ироничном смысле, просто потому что здесь совсем другая оптика, взгляд на мир. «Setka» объединяет в человеке урбан и натуру — бетонные сваи со стволами деревьев, траву с плиткой; посередине на заасфальтированной опушке сидит человек и играет песни, возвращающие нас в какой-то момент невинности, детство. И наивысший момент наступает, когда здесь начинают — не петь, но подают голос.

Зачем слушать

Музыки такого уровня честности и доброты здесь мало кто делает — если вы зачем-то задаетесь вопросом «почему в 2015 году нам нужен психофолк?», то тут, во-первых, практически нет «психо», во-вторых, это совсем о другом. О чем — сказать сложно, но чем-то подобным сейчас занимается Егор Клочихин из Foresteppe; неудивительно, что у музыкантов был сплит-сингл, хочется, чтобы подобного было больше.

Что и как

Вы, конечно же — кто-то мог и не по своей воле — слышали главный хит Меган Трейнор «All About That Bass». Якобы посвященный боди-позитивизму, клип на песню показал, что Трейнор, наоборот, держится стереотипов и консервативного мышления — в общем-то, с альбомом ничего не меняется: после главного хита идет песня «Дорогой будущий муж», также есть название «Будто я могу тебя потерять», и все это на фоне довольно неумелому подражанию британской эстраде; довольно старомодная музыка здесь идет вперемешку с якобы молодящими ее «dem» и прочими молодежными атрибутами, а сама Трейнор не очень понимает, кем ей хочется быть, Лили Аллен или Эми Уайнхауз (с другой стороны, не очень-то и получается кем-то стать).

Зачем слушать

Не очень-то и понятно — но вообще чего еще можно ожидать от альбома с таким названием? «Title» это довольно скучная и несколько фальшивая поп-музыка — как и было сказано, старомодная: примерно так думали о поп-музыке в начале нулевых любители рока, но Трейнор всех этих клише вполне себе придерживается. А песню «All About That Bass» можно оставить и 2014 — второй сингл «Lips Are Moving» явно на нее оглядывается, пытается повторить и, разумеется, промахивается.

Что и как

Это уже десятый альбом английской группы, в Европе и даже России известной чуть больше, чем на родине по не совсем понятным причинам — уж за 20 лет можно было добиться признания, к тому же предпосылок к этому достаточно. Archive одними из первых освоили подход к живой музыке как к электронной — играть не «риффы» или «мелодии», а повторяющиеся короткие музыкальные фразы, собирать их в паттерны, переставлять и заменять фразы внутри паттерна и так далее. Начав с более-менее заурядного трип-хопа, они все больше добавляли непосредственно живых инструментов и все больше начали закапываться в гипнотические свойства репетитивной музыки, а в репертуаре появились даже пятнадцатиминутные полотна, состоящие из не более чем десятка музыкальных фраз. Положение группы как продюсерского проекта (за 20 лет неизменным оставался только дуэт музыкантов-продюсеров Грифитса и Килера) способствовало свободе эксперимента: вокалисты и прочие музыканты менялись регулярно — впрочем, какие-то фирменные приемы со временем все равно сформировались и устоялись: душевный надрыв в песнях, депрессивный транс, какие-то определенные гармонии, и на «Restriction» этот набор приемов в полной мере присуствует. И ничего кроме него.

Зачем слушать

Сразу стоит сказать: незачем. Каждая песня с альбома напоминает о какой-то аналогичной с предыдущих и вызывает желание немедленно нажать стоп и послушать напомнившую. Набор приемов Archive тут низведен до какой-то позорной коллекции штампов: вот злая песня, построенная на гитарном хуке и индустриальном бите, вот тетенька печально поет под пианинку и звук начинает тонуть в собственном эхе, вот электронный транс, усиленный дисторшированными гитарами. В свое время Archive показали, что можно делать музыку по электронным принципам, но с живыми ощущениями — сегодня так сделаны, например, новые альбомы Wild Beasts и Warpaint, да и в целом такой подход к записи музыки уже достаточно привычен. Теперь же они будто доказывают то же самое, но от противного: вот тот же прием, но без жизни, только ощущение механичности. А жизнь, значит, не в непосредственном звучании или к нему подходе — она в чем-то более иллюзорном. Важная, конечно, мысль, но печально, что для ее доказательства пришлось записать плохой альбом.